«A Love Supreme», de John Coltrane

John William «Trane» Coltrane (Hamlet, 23 de septiembre de 1926 – Nueva York, 17 de julio de 1967) fue un saxofonista y compositor que puede contarse entre los grandes del jazz, pero también, en muchos sentidos, entre los músicos y artistas integrales. Como ocurre con muchos intérpretes de instrumentos de viento, empezó a los trece años en una banda de boy-scouts: entonces tocaba el clarinete, mientras que durante el instituto empezó a tocar también el saxofón alto. Después de graduarse en el instituto (1943), mientras servía en Hawái, retomó el clarinete en la banda de la Marina, pero después de su baja, volvió al saxofón en los registros alto y tenor. Como él mismo dijo y escribió varias veces, «viví mucho tiempo en la oscuridad, porque me contentaba con tocar lo que se esperaba de mí», hasta que «con Miles Davis, en 1955, tomé conciencia de lo que podía hacer de forma diferente y distinta»^[1].

Primeras experiencias

Antes de trabajar directamente con Miles Davis (1926-1991), Coltrane había tocado en varios grupos, sobre todo en la orquesta de Dizzy Gillespie, con quien realizó su primera grabación en Detroit el 1 de marzo de 1951. Los primeros años de su carrera también se vieron obstaculizados por el abuso de las drogas, lo que seguramente contribuyó a minar desde temprano su físico. Miles Davis le había escuchado en un enfrentamiento directo con un gran saxofonista, Sonny Rollins, y no le había impresionado. Sin embargo, al cabo de poco tiempo (1956), al necesitar otro sideman, quedó impresionado por los evidentes progresos de John: se aprendía de memoria todas las piezas que tocaba y cada vez era más rápido y seguro en sus interpretaciones. Sin embargo, los dos no se cayeron muy bien y su colaboración tuvo diversos grados de éxito (pero siempre muy altos) y algunas rupturas. Davis era reservado, hablaba muy poco y daba indicaciones esenciales a los músicos; Coltrane, en la práctica, no era muy diferente, pero se preguntaba constantemente por qué estaba tocando ese pasaje, ese acorde, hasta lograr tener en mente un camino bastante preciso de lo que iba a tocar. Antes de alcanzar el punto álgido de su colaboración en Kind of Blue (1959), Coltrane había realizado 19 grabaciones como líder y estaba a punto de grabar una de sus primeras obras maestras, Giant Steps (1959)^[2].

Miles Davis había asistido a la prestigiosa Juilliard School desde 1945 y había estudiado piano con Thelonious Monk; había tocado con Dizzy Gillespie, Charlie Parker (su ídolo), Charles Mingus y muchos otros, convirtiéndose en el autor e intérprete de jazz más reconocido. En diciembre de 1958, grabó la banda sonora de Ascensor para el cadalso, de Louis Malle, improvisando la música a medida que avanzaba la película.

«Kind of Blue»

Kind of Blue^[3], además del valor de la música que, aunque innovadora, posee cualidades melódicas e incluso pegadizas que la convierten en un disco propedéutico para acercarse al jazz, fundó una nueva forma de pensar, interpretar y grabar. En cierto modo, esto ya estaba presente en Milestones (1958), donde Davis se inspiró por primera vez en las escalas modales y recurrió a la superposición de líneas melódicas, sin favorecer el control de los acordes tradicionales. Por música «modal» se entiende aquí no tanto las escalas griegas o gregorianas, sino la música que no sigue estrictamente la progresión de intervalos de la música europea y se interesa por los modos y ritmos africanos o de la tradición oriental, como el raga indio.

A los instrumentistas que participaron en las dos sesiones de grabación, celebradas respectivamente el 2 de marzo de 1959 para el lado A del LP («So What», «Freddie Freeloader», «Blue in Green»^[4]) y el 22 de abril del mismo año para el lado B («Flamenco Sketches», «All Blues»), Davis sólo les proporcionó unas hojas de papel con indicaciones resumidas y unas palabras sobre la ambientación de cada pieza, confiando en su experiencia y sensibilidad musical. Además del líder de la banda, el grupo de músicos estuvo compuesto por Julian «Cannonball» Adderly en el saxo alto, John Coltrane en el saxo tenor, Bill Evans en el piano (excepto en «Freddie Freeloader», donde toca Winton Kelly), Paul Chambers en el contrabajo y Jimmy Cobb en la batería. Todos estos artistas, aparentemente no fáciles de conciliar, ofrecieron una contribución excepcional y variada, pero una contribución decisiva vino del piano de Bill Evans, que demostró ser el apoyo ideal para los sonidos enrarecidos de la trompeta de Miles Davis, que de vez en cuando parecía ligera, despreocupada, divertida, melancólica, romántica, etc.

Aún en 2003, la revista Rolling Stones situaba Kind of Blue en el número 12 de su ranking ideal de los mejores 500 álbumes de todos los tiempos. Y si en la historia del jazz y de la música algunos lo sitúan un escalón por debajo de Crisis (1969) de Ornette Coleman o de A Love Supreme, el álbum bien merece el juicio que el joven rapero Q-Tip le dedica, a saber, que el disco debería estar presente en todos los hogares, tal como la Biblia^[5].

«A Love Supreme»

John Coltrane volvió a colaborar con Miles Davis, entre 1960 y 1961, en algunos discos de estudio y en directo. La relación terminó después con aparente frialdad, aunque John encontró en su maleta el regalo de un saxofón soprano, que el propio Miles le había recomendado encarecidamente que probara para conseguir un sonido más blanco y otros efectos especiales.

A principios de 1961, Coltrane firmó con el sello Impulse, que pronto lo consideró su buque insignia. No podemos mencionar todos los títulos, pero señalaremos algunos de los álbumes más importantes, como aquellos que incluyen las colaboraciones con Duke Ellington (1963) y la voz de Johnny Hartman (1963), y sobre todo los LP que pueden considerarse como preparatorios de A Love Supreme.

Empecemos con Africa/Brass (1961), interpretada por un conjunto de viento relativamente grande, que ya en su título indica una de las fuentes de inspiración que representa la música africana y contiene una fascinante interpretación del tema clásico Greensleeves. Después, Live at the Village Vanguard (1962), el primer álbum concebido para ser grabado en directo y en el que la experimentación está presente con una conciencia madura. Finalmente, Ballads (1963), una colección de las más bellas canciones de jazz, revisadas con un refinamiento inimitable y apoyadas por el piano de McCoy Tyner.

Finalmente llegamos a A Love Supreme^[6], que no es del todo sorprendente, sobre todo por su contenido religioso. Ya en el anterior Crescent (1964) se puede encontrar in nuce, en forma de bocetos, lo que se puede escuchar en el álbum más famoso.

Si bien se sentía libre de formar diferentes grupos para proyectos en directo y en estudio, tras su separación de Miles Davis, John Coltrane intentó crear un grupo básico, un cuarteto, que incluía a McCoy Tyner en el piano, Jimmy Garrison en el contrabajo y Elvin Jones en la percusión.

Aunque marcado por la espontaneidad y la improvisación, A Love Supreme fue el trabajo más cuidadosamente preparado de Coltrane^[7]. Es significativo, en este sentido, que pueda definirse, más que Kind of Blue, como un álbum conceptual, término que será cada vez más utilizado por los compositores que querían, de vez en cuando, presentar un proyecto que no fuera sólo un setlist de canciones puras y duras.

Al interior de «A Love Supreme»

Todo lo que se puede percibir de los escritos y las imágenes anexas al disco ayuda a prepararse para escuchar la música, sin sugerir que sea cautivadora o fácil de escuchar. Desde el blanco y negro de la portada y de todo el álbum, la foto reflexiva e intensa del autor, la premisa sobre la importancia de la fe en su vida y el texto del Salmo final (también compuesto por el interesado y que sirve de apoyo a la improvisación del cuarto tema) hasta los títulos de los cuatro movimientos: «Acknowledgement», «Resolution», «Pursuance», «Psalm»: las cuatro etapas de un viaje de fe.

Como era habitual – y cada vez más después de la experiencia con Miles Davis –, los instrumentistas recibían las indicaciones más esenciales, confiando la interpretación a la habilidad y la sensibilidad de cada uno. Los resultados son sorprendentes, aunque no sea del todo cierto que las grabaciones publicadas sean todas las realizadas en las primeras pistas de la cinta grabada^[8]. A ello contribuyó de forma decisiva el ingeniero de sonido Rudy Van Gelder, que no sólo sabía colocar a los instrumentistas en el estudio con especial intención, sino que se había convertido en uno de los primeros maestros de la estereofonía.

Si, como escribimos, había algo religioso en Kind of Blue (el blues tiene sus raíces en los spirituals), la religiosidad de A Love Supreme es explícita. La presentación del disco, firmada por el propio Coltrane, afirma con sencillez que hay que dar gracias al Señor, porque a él se lo debemos todo; y esto queda aún más claro con el texto de la oración final, justamente llamada «Salmo».

El Salmo se compone de frases cortas y expresiones de alabanza y agradecimiento, y se inspira en el versículo 4 del Salmo 19 (18): «sin lenguaje, sin palabras, sin que se escuche su voz, se difunde su sonido por toda la tierra». Antes de llegar al Salmo, que John Coltrane interpreta como si el fraseo de su saxo tenor pronunciara, una tras otra, las palabras del texto, el primer tema, «Acknowledgement» (Reconocimiento, toma de conciencia), se introduce con un inusual golpe de gong. Le sigue una especie de timbre que conduce lentamente al motivo principal de A Love Supreme, repetido en un número aparentemente infinito de variaciones y modulaciones armónicas, hasta que, sorprendentemente, John lo canta varias veces, imitando su instrumento, como si fuera un mantra, mientras los demás intérpretes crean una atmósfera vagamente exótica y sugerente.

La segunda pista, «Resolution» (Determinación), tiene su propio tema bien definido y se parece más a una pieza clásica de jazz. La tercera pieza, «Pursuance» (Búsqueda), al igual que la siguiente, «Psalm» (Salmo), se apoya en gran medida en la improvisación y, aunque se basa en una inusual alternancia de ritmos articulados en tres o cuatro partes y en armonías construidas sobre intervalos de tercera y cuarta, parece tener una «coherencia» desarmante. El protagonista absoluto de este tema, además de Coltrane, por supuesto, es el baterista y percusionista Elvin Jones.

En el prefacio del álbum, Coltrane también da las gracias a Archie Shepp (saxo tenor) y a Art Davis (contrabajo), que en realidad participaron en una segunda sesión de grabación^[9], pero que luego no resultaron tan decisivos para el resultado global de A Love Supreme. La duración de los cuatro temas estaba pensada para caber cómodamente en los lados A y B de un microsurco de 33 rpm: de hecho, sólo «Pursuance» supera los diez minutos, mientras que los demás no llegan a los ocho.

«Ascensión» y «Expresión»

Para sorpresa de todos, incluidos los productores, el disco alcanzó los primeros puestos de las listas de ventas no sólo en las secciones de jazz (Rhythm and Blues), sino también en las absolutas, y en pocos meses superó las 50.000 copias y obtuvo el llamado «disco de oro». Con Kind of Blue, como ya hemos mencionado, A Love supreme se encuentra entre los mejores y más conocidos discos de la historia y ha sido objeto de múltiples reediciones y ediciones. Sólo dos meses después de la publicación de su obra maestra, en febrero de 1965, Coltrane grabó otro trabajo visionario, pero con un carácter y un resultado completamente diferentes: Ascension puede definirse como «cuarenta minutos ininterrumpidos de feroz interacción de grupo»^[10], con una formación ampliada de once músicos.

Con esta contribución, Coltrane se lanza a la exploración de las fronteras extremas de la improvisación libre, sin ofrecer a sus oyentes puntos de referencia, motivos o ritmos recurrentes. Da a los instrumentistas en el estudio incluso menos indicaciones de las habituales. En el reciente CD, que citamos^[11], están presentes las dos versiones de Ascension, de unos 40 minutos de duración cada una, tituladas Edición I y Edición II.

Mirando la música que nos rodea y dejando de lado las experiencias del jazz o del rock, en el ámbito clásico, hacia finales de los años 60 y principios de los 70 (y después), se recuerdan las improvisaciones más radicales de John Cage (1912-1992), en las que la música no tenía más que imaginarse a sí misma, y las de Karl Heinz Stockhausen (1928-2007), o incluso las de los músicos y compositores pertenecientes a la asociación romana de Nuova Consonanza^[12], todos ellos no indiferentes a las sugerencias del jazz.

A pesar de mantener este espíritu experimental, Coltrane no siempre podía aspirar a tales grados de improvisación pura. El cuarteto básico perdió casi inmediatamente a McCoy Tyner y a Elvin Jones: el primero no podía seguir a Coltrane en sus experimentos más extremos, el segundo tenía dificultades para tocar en pareja con otros bateristas cuando John decidió doblar todas las partes: dos saxos, dos pianos, dos contrabajos, dos percusionistas.

Entre Ascension y Expression^[13], el último álbum lanzado por John Coltrane y editado a título póstumo, hay otros siete álbumes, tres de los cuales también se publicaron después de su muerte. Expression se editó en estudio entre febrero y marzo de 1967 y contiene «To Be», que es el único tema en el que Coltrane toca la flauta durante toda la interpretación. Los otros tres temas son «Ogunde» y «Offering» y, por supuesto, «Expression», que da título al lanzamiento.

Los músicos son los de la última época de Coltrane, es decir, Alice (su mujer, en el piano), el fiel Jimmy Garrison (contrabajo), Pharoah Sanders (vientos, pandereta), Rushied Ali (percusión). La música tiene un ligero velo de melancolía. Menos experimental que Ascension, no obstante remite varias veces al espíritu de A Love Supreme.

Después de Coltrane

John Coltrane murió a la edad de 40 años, afectado por un cáncer de hígado. Tocó casi hasta el final. Su funeral en la iglesia luterana de San Pedro de Nueva York fue apoteósico, pero también un fuerte testimonio de religiosidad. En lugar del sermón, se leyó el texto del Salmo de A Love Supreme. Después de Coltrane, ningún músico de jazz o saxofonista podía ignorarle: además de su timbre y fraseo únicos, era capaz de alcanzar con eficacia notas muy difíciles y emitir hasta tres sonidos simultáneamente con su instrumento favorito. Ashley Kahn, autor de la citada monografía sobre A Love Supreme y sobre John Coltrane, cuenta al menos veintiún títulos directamente inspirados en nuestra obra maestra^[14], mientras que es difícil contar el número de músicos que están en clara deuda con él^[15], empezando por su esposa Alice McLeod (1937-2007), protagonista de la escena musical hasta los años 80^[16], y su hijo Ravi.

Nos parece oportuno concluir escribiendo sobre una experiencia especialmente significativa. Durante más de 30 años, Steven Feld, conocido antropólogo estadounidense y estudioso del jazz experimental, ha estudiado en terreno las conexiones entre los paisajes naturales y sonoros y las prácticas creativas más heterogéneas. Tras una experiencia en Papúa Nueva Guinea en los años 70, visitó y permaneció en otras zonas culturales donde la conexión entre las culturas antiguas y modernas parecía fértil, hasta que aterrizó en Ghana, de donde llegó el percusionista Ghanaba, alias Guy Warren, para aterrizar en los años 50 en Estados Unidos, influyendo en el jazz con sus ritmos y cultura.

Así, en la capital, Feld fundó oficialmente en 2007 la Accra Trane Station, un evidente homenaje a John Coltrane 40 años después de su muerte, un laboratorio musical que replantea la importancia exclusiva de las distintas etiquetas (étnica, clásica, jazz) para una propuesta unitaria y variada que nos ayude a comprender mejor las raíces de la música, nuestras raíces^[17].

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1. Cfr A. Kahn, A Love supreme. Storia del capolavoro di John Coltrane. Milán, il Saggiatore, 2004, 20.33-34. Cfr también el prefacio al CD de A Love supreme. ↑

2. Junto a My favorite things, Naima, Equinox, Cousin Mary, Central Park West, la canción se encuentra en The Best of John Coltrane, Atlantic 7567-81366 CD. ↑

3. La mayoría interpreta el título como «Una forma de blues». ↑

4. En un álbum reciente (2008) de Columbia-Sony Music 88697 47627, los dos CDs contienen todas las grabaciones realizadas durante las sesiones para un total de 21 temas. El DVD contiene un documental de la grabación y comentarios de los que participaron y de expertos en jazz en diversas capacidades. ↑

5. Esto se puede ver y escuchar en el documental mencionado en la nota anterior. ↑

6. La edición en CD de 2008 de la que informamos tiene varias abreviaturas, una de las cuales es Impulse! 0602517649033. ↑

7. Cfr A Kahn, A Love supreme, cit., XIII s. ↑

8. Las dos sesiones de grabación tuvieron lugar los días 9 y 10 de diciembre de 1964. ↑

9. Cfr A Kahn, A Love supreme, cit., 129 s. ↑

10. Cfr ibid, 195 s. ↑

11. Impulse! 0602517920248 CD. ↑

12. Ennio Morricone participó en estas experiencias con la trompeta. ↑

13. Impulse! B0015826 CD. ↑

14. Cfr A. Kahn, A Love Supreme, cit., 252. ↑

15. O grupos, incluso de rock: los homenajes de Pink Floyd son más evidentes, los de Led Zeppelin o Grateful Dead menos. ↑

16. Un buen disco suyo es Universal Consciousness (1971) Impulse! AS 9210 CD. ↑

17. Cfr M. Corbella, «Una storia cosmopolita», en Amadeus, n. 280 (marzo 2013) 56 s. ↑